Vierge intronisée à l'enfant

(Avec l'écusson de la famille du client dans la partie supérieure de la composition)

Huile sur panneau en bois

101 x 62 cm.

Dans le cadre 114 x 76 cm.

La belle œuvre proposée exprime les caractéristiques iconographiques typiques du peintre appelé «Maître du perroquet», un nom conventionnel utilisé par la critique pour définir un auteur néerlandais anonyme du XVIe siècle.

Plus précisément, il s'agit d'un peintre du sud des Pays-Bas, actif à Anvers vers 1530-50, ainsi défini pour l'incontournable perroquet qui apparaît souvent dans ses œuvres. Dans l'iconographie religieuse, le perroquet était souvent utilisé comme symbole marial, car il était largement admis que son verset le plus courant était "Ave", c'est-à-dire la salutation de l'archange Gabriel à Marie au moment de l'Annonciation.

Aujourd'hui est répandue l'idée selon laquelle le nom de "Maître du perroquet" ne désigne pas un peintre unique, mais plutôt un groupe qui, en fonction des caractéristiques stylistiques, a effectué sa formation dans l'atelier de Pieter Coecke van Aelst (Alost 1502 - Bruxelles 1550), réalisant des tableaux dévotionnels destinés à une clientèle bourgeoise et concentrant leur activité sur un sujet précis particulièrement demandé par le marché contemporain.

A titre d'exemple, on peut citer la Vierge à l'Enfant du San Diego Museum of Art, où les figures, comme les nôtres, sont conformes au goût maniériste pour des proportions corporelles élégantes qui dépassent la réalité, avec des éléments tels que des doigts fuselés, visage large et nez fin. Ces personnages trahissent également l'influence d'artistes actifs dans la région tels que Joos van Cleve, Ambrosius Benson et Jan Gossaert, dont il a forcément dû s'inspirer.

Comme nous pouvons bien le remarquer sur notre tableau, exécuté par un suiveur de talent mandaté par la famille dont les nobles armoiries sont apposées sur la partie supérieure, les œuvres de ces artistes se sont caractérisées par l'accueil sans équivoque de la peinture de la Renaissance italienne, particulièrement visible dans la manière dont l'enfant est dans le ventre de la mère et toujours dans le choix compositionnel d'insérer une vue de paysage visible à travers une fenêtre. Même la technique nuancée, de mémoire de Léonard, atteste de l'influence italienne durable dans ces œuvres.

L'état de conservation du tableau est bon, parfaitement restauré ; il y a une légère fissure, visible dans la partie inférieure de la toile en conjonction avec le bord du tableau, stabilisé, et qui altère de manière minime la lecture de l'oeuvre.

Il dispose d'un vieux parquet exécuté par des professionnels.

Le tableau est complété par un agréable cadre doré.