Vierge à l'enfant

Début du XVIIe siècle

Peinture à l'huile sur toile

cm. 96 x 82

Dans le cadre cm. 111 x 98

Détails complets des travaux:

Cette composition, où la Vierge sous les traits d'une jeune fille tient l'enfant dans ses bras, est une œuvre de grande qualité et d'importance, à replacer dans le contexte du XVIIe siècle émilien, avec des références évidentes à la poétique du Caravage, à la fois dans utilisation des couleurs et de la lumière, ainsi que dans le jeu des contrastes en clair-obscur.

Datée du début du XVIIe siècle, la peinture présente plus précisément des personnages bolognais, et les similitudes avec les œuvres tardives d'Alessandro Tiarini (Bologne 1577 - 1668) sont suffisamment proches pour confirmer l'attribution.

L'artiste, formé avec les prospères Fontana et Bartolomeo Cesi, est également documenté à Florence de 1599 à 1606, en tant qu'élève et collaborateur de Passignano. De retour dans son pays natal, il participe au renouveau naturaliste inauguré par les Carraccis et notamment en abordant les voies de Ludovico, en renouvelant son style dans une touche pleinement baroque et avec une verve émotionnelle et chromatique sans pareil.

En adhérant à une solution à fort impact dramatique, influencée par les modèles stylistiques caravagesques, Tiarini esquisse une poétique picturale de grand impact. En observant le visage de la Vierge, dans lequel le peintre met en valeur l'ingéniosité et la tendresse transmises par son jeune âge, on remarque le sentiment de tendresse et en même temps d'inconscience que le peintre veut véhiculer.

Il est intéressant de noter que dans le tableau, ni la Vierge ni l'enfant Jésus ne se tournent vers l'observateur: tout reste comme tenu dans la toile et l'essence de l'œuvre se joue sur l'échange mutuel de regards et de contacts entre la mère et l'enfant. La solennité rituelle qui caractérise les représentations de la Vierge à l'Enfant n'est pas perçue; et même l'absence de tout attribut sacré pourrait faire passer notre toile à un sujet profane, à un moment d'intimité familiale ou à une simple allégorie de la maternité.

L'utilisation de la lumière, sagement dosée par le peintre, qui rayonne sur les personnages de gauche, jouant un rôle fondamental dans la mise en forme des volumes, ainsi que celle des couleurs, où sur un fond terne, lié aux tons bruns, la peinture s'illumine de lumière dans le teint de la mère et de l'enfant et dans les éclaboussures de couleurs vives, magenta rouge et bleu, choisies pour les vêtements.

Si vous souhaitez en savoir plus sur l'œuvre de l'auteur, nous vous recommandons de consulter le volume suivant: E. Negro - N. Roio, Caravaggio and the Caravaggeschi in Emilia, Modena 2013, pp. 244-247.