Madonna mit Kind und dem kleinen Johannes

Öl auf Leinwand

70 x 53 cm.

Gerahmt: 104 x 87 cm.

Weiterführende Literatur: „Il buon secolo della pittura senese“, A. Angelini, R. Longi (Hrsg.), 2017, Pacini Editore

Das hier vorgestellte Werk, das die Madonna mit Kind und dem kleinen Johannes darstellt, ist eine äußerst gelungene Neuinterpretation eines der frühen Meisterwerke des Meisters Domenico Beccafumi (Monteaperti, 1486 – Siena, 1551), das um 1508–1510 entstand und heute in der Pinacoteca Nazionale in Siena aufbewahrt wird (Abb. 1).

Als sienesischer Maler, der bei Renaissancekünstlern wie Fra’ Bartolomeo und Filippino Lippi ausgebildet wurde, spielte er eine entscheidende Rolle in der Kunstgeschichte, da er zur Entstehung des Manierismus in der Toskana beitrug – noch vor Pontormo und Rosso Fiorentino, die später zu dessen bedeutendsten Vertretern werden sollten.

Er zeichnete sich dadurch aus, dass er im 16. Jahrhundert die typisch sienesische Tradition fortsetzte, die sich durch Eleganz und Raffinesse auszeichnete, jedoch mit einer Bildsprache, die auf dem Bruch mit den klassischen Gleichgewichten der Renaissance und einer visionären Atmosphäre beruhte, in der sich die Figuren in geschwungenen Posen präsentieren, die jedoch voller emotionaler und psychologischer Spannung sind.

Kehren wir nun zur Analyse unseres Werkes zurück, das von einem Künstler aus der Werkstatt oder einem unmittelbar nachfolgenden Künstler geschaffen wurde: Wir erkennen hier seine typischen Merkmale in hoher Qualität wieder, die die Einflüsse der Malerei Leonardos und Raffaels zwischen Siena und Florenz widerspiegeln.

Schon auf den ersten Blick lässt sich das starke künstlerische Erbe erkennen, das diese beiden Meister Beccafumi hinterlassen haben; besonders auffällig sind die Berührungspunkte mit Raffaels „Madonna Terranova“ aus dem Jahr 1505 (Abb. 2), die offenbar eine der wichtigsten Quellen für diese Komposition war, ohne dabei die „Madonna dei Fusi“ von Leonardo (Abb. 3) nicht unerwähnt zu lassen, an die die Haltung unseres kleinen Heiligen Johannes zu erinnern scheint.

Es ist interessant, die Aufmerksamkeit auf den kleinen Heiligen Johannes den Täufer zu richten, insbesondere auf seine ungewöhnliche zentrale Stellung im Verhältnis zum Jesuskind und zur Jungfrau Maria: Diese kompositorische Entscheidung ist sicherlich kein Zufall, sondern birgt tiefgreifende theologische Beweggründe; im Vergleich zu vielen ähnlichen Werken wird hier nämlich die Rolle des Täufers hervorgehoben – nicht als bloßer Spielgefährte Jesu, sondern als sein Vorläufer, der gekommen ist, um ihn anzukündigen und den Weg für den Messias zu bereiten.

Besondere Aufmerksamkeit erregt seine Gestik: Sein Zeigefinger ist zum Himmel gerichtet – im übertragenen Sinne auf Christus –, was an seine Mission als Zeuge erinnert („Siehe, das Lamm Gottes“). Seine nach vorne gerückte Position, fast als würde er als „Schutzschild“ oder visuelle Einleitung zum dahinter liegenden göttlichen Kern dienen, unterstreicht seine Rolle als Vermittler zwischen der Menschheit (dem Betrachter) und der Erlösung.

Die Fähigkeit des Künstlers, das komplexe Gefühlsgefüge zwischen den beiden jungen Cousins darzustellen, ist wahrhaft spektakulär und von großer emotionaler Wirkung: Der intensive Dialog aus Blicken und Körperhaltungen, die sich geradezu miteinander zu verflechten scheinen, lässt das Schicksal der beiden Kinder erahnen. Ihr inniger und liebevoller Körperkontakt deutet bereits auf die unauflösliche Verbindung hin, die in der Taufe Christi und symbolisch im Opfer der Passion gipfeln wird – angekündigt durch das Gefühl inniger Akzeptanz, das aus dem Antlitz der Jungfrau hervorgeht.

Ein kleines, aber sehr poetisches Detail, das unser Künstler wahrscheinlich auf Wunsch des Auftraggebers hinzugefügt hat, ist die Schale im Vordergrund, auf der sich ein Schmetterling niederlassen zu wollen scheint und aus der ein rotes Band herausragt – Elemente von tiefer theologischer Bedeutung.

Die drei Symbole könnten in ihrer Gesamtheit visuell auf das Ostergeheimnis anspielen: Durch das Opfer der Passion (das rote Band) und die Eucharistie (die Schale) wird die Menschheit gereinigt und erhält die Verheißung des ewigen Lebens und der Auferstehung (die Schmetterlinge). In der christlichen Kunst steht der Schmetterling nämlich für die Auferstehung und die Unsterblichkeit der Seele, deren Lebenszyklus das Gleichnis vom Leben Christi und des Menschen widerspiegelt.

Das Gemälde zeigt schließlich im Hintergrund eine faszinierende Landschaft, die ebenfalls an die Meister des Nordens und an den Stil Leonardos erinnert und die Heilige Familie auf der Flucht nach Ägypten darstellt.

WEITERE INFORMATIONEN:

Das Werk ist mit einem ansprechenden vergoldeten Rahmen versehen und wird mit einem Echtheitszertifikat sowie einer beschreibenden ikonografischen Karteikarte geliefert.

Wir kümmern uns um den Transport der erworbenen Werke und organisieren diesen sowohl innerhalb Italiens als auch ins Ausland über professionelle und versicherte Spediteure.

Bitte kontaktieren Sie uns für weitere Informationen; wir stehen Ihnen gerne zur Verfügung. Sie können das Gemälde auch in unserer Galerie in Riva del Garda besichtigen; wir würden uns freuen, Sie dort willkommen zu heißen und Ihnen unsere Sammlung von Kunstwerken zu zeigen.

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